Carlo Perna - Artist - Lucrări


Carlo Perna, lucrează


Transparențe


Compoziția V


Continuitate


Concert


Senzații romane


Noua zi


Spațiul 25


Dansul vieții


Memoria Agrigento


Spațiul 11


Ninsoare


Spaţialitate


Omagiu lui Morandi


Între vârtejuri


Iubitorii

Dacă sunteți artist și doriți să vă publicați lucrările pe acest site, scrieți la adresa [email protected]


Rosa Mundi, Daniela Papadia Paola Cassola Perna Gaia Todeschini

BIAS 2018 în Palermo este prezentat la Veneția cu expoziția Porta itineris dicitur longissima esse în perioada 10 mai - 30 iunie 2017. În Grădina Algiubagiò Ca 'Donà, o expoziție colectivă despre tema ușii, organizată de WISH WOrld International Sicilian Heritage și Politehnica din Torino. Intrați în prima cameră amenajată de Michela Sichera de la Politehnică cu lucrări din proiectul Gang City prezentat la Veneția la Bienala de Arhitectură 2016 pentru a ajunge la fund, cu mult dincolo de prejudecățile obișnuite în ceea ce privește spiritualitatea. Intrăm în universul labirintic și profund al BIAS pe tema ușii. Artistul, artiștii, împreună în diversitatea lor oferă o interpretare autentică a temei filosofice și spirituale a ușii. Intrând în stânga Protoquadro-ul lui Federico Bonelli oferă milioane de imagini posibile ale lui San Francesco da paola în timp ce traversează Strâmtoarea Messina. Fiecare fracțiune de secundă este scanată de o nouă lovitură logaritmică, curgerea imperceptibilă, dar rapidă a mișcării schimbă imaginea din ușa viziunii noastre întotdeauna cu o secundă mai târziu. Trecutul izbucnește în prezent dezvăluind o imagine mereu nouă.
În fața Protoquadro, o imagine tipărită pe pânză transparentă Les Vestiges du jour de Rosa Mundi ne spune despre două arcuri superioare ale a două uși imense, aparent contemporane și pur și simplu de arheologie pură. În realitate, între o ușă și alta există cel puțin patru secole de umanitate. Suntem în Siria aici, timpul pare să se fi oprit. Pietrele ne dezvăluie de nenumăratele ori când s-a oprit.
În dreapta fotografiei, lucrările „dizolvărilor” realizate de Gaia Todeschini realizate la Saragoza. liniar și sobru de urmat după ușile siriene ale Rosa Mundi pentru a semnifica arheologia, care a avut loc în momentul umanității care a creat-o, care nu mai lasă nicio relație de calitate sau canon estetic. O clădire albă inițială, înconjurată de natură, dezvăluie dealurile măslinilor. Apoi încet se subțiază până la abandonul total. Vizita la expoziție se desfășoară în sens antiorar. ultimele trei dizolvări ale lui Gaia Todeschini sunt mărturia a ceea ce umanitatea noastră, secolul nostru lasă în epocă: aduce în jur construcții cimentate, implodate, stânci și prăbușiri. În fundal, un peisaj pustiu de câmpuri de turbine eoliene. După fotografia ultimei secțiuni a autostrăzii Reggio Calabria de către fotograful Armando Perna duce la ultima poartă, ultimul viaduct finalizat după ani de zile. Fragilitatea „picioarelor” viaductului este primul plan al fotografiei.
Acesta este urmat de masa de alianță a Danielei Papadia, care comunică cu cheia ultimei cine a lui Rosa Mundi într-un joc neîntrerupt de reflecții și referințe filosofice, între cine suntem, ceea ce credem că suntem, ceea ce putem înțelege cu adevărat să fim.

Lasa un raspuns Anuleaza raspunsul

Acest site folosește Akismet pentru a reduce spamul. Aflați cum sunt procesate datele despre comentarii.


Piero Manzoni la Roma - Interviu cu autorul Raffaella Perna

S-a intrus acum câteva zile la Roma la Macro - Muzeul de Artă Contemporană din Roma, L cartea „Piero Manzoni și Roma” de Raffaella Perna, publicat în seria Electa pește roșu, este al cincilea volum al seriei speciale dedicate figurii lui Piero Manzoni, creată în colaborare cu Fundația Piero Manzoni. Prezentat de autorul Raffaella Perna cu intervențiile Claudio Crescentini, curator și istoric de artă al MACRO, Federica Pirani, Șeful Serviciului de expoziții al Superintendenței Capitoline pentru patrimoniul cultural e Claudio Zambianchi, Profesor de istorie a artei contemporane, Universitatea Sapienza din Roma.

De data aceasta vorbim despre unul dintre protagoniștii incontestabili ai artei contemporane din secolul XX Piero Manzoni. Milanez, s-a înconjurat de mulți prieteni de artiști, cum ar fi Lucio Fontana, de exemplu, cu care au stat adesea în barul lor preferat, faimosul Bar Jamaica, pentru a bea o cafea, dar nu numai, și pentru a prăji tocmai succesul operelor de artă ale lui Piero. apreciat de prieteni. Când lucra, nu folosea doar pânza, pensula și vopselele. Piero Manzoni a trasat metri și metri de linie și apoi i-a închis în rulouri de carton, uneori le-a măsurat, alteori a reușit să le facă infinite. Faimoși sunt Achromes, lucrări lucrate cu țesături, bumbac sau pur și simplu au folosit pânza, același material de bază al picturii, lucrând-o, încrețindu-l pe tot, lăsându-l gol. Toate compozițiile sunt apoi vopsite cu caolin, ceea ce conferă aspectul tipic de ipsos alb operelor lui Manzoni, procesul lucrărilor are loc de la sine, este autosuficient. Cea mai strălucită lucrare, care l-a făcut foarte faimos, și protagonistul: nenumitul este „rahatul artistului”. Nu știm exact ce este în acele cutii, dar Piero Manzoni acolo nu numai că și-a pus rahatul, ci și ideea! Și nimeni nu o mai făcuse vreodată. Din acest motiv și nu numai că se află astăzi în muzeele de artă contemporană, dar face parte din mari colecții private și publice și este încă în studiu.

Scurt interviu cu autoarea Raffaella Perna și cartea ei despre Piero Manzoni și Roma ...

1) Cum s-a născut cartea Piero Manzoni e Roma?

Am fost invitat de curatorul Fundației Piero Manzoni, Rosalia Pasqualino Di Marineo, să vorbesc la conferința despre Manzoni, care a avut loc în noiembrie 2014 la Palazzo Reale din Milano. Cu acea ocazie, am prezentat o primă contribuție cu privire la relația dintre Manzoni și mediul artistic roman între sfârșitul anilor 1950 și 1960, în conformitate cu studiile mele anterioare despre Școala din Piazza del Popolo. De acolo s-a născut ideea de a aprofunda cercetarea și de a publica un volum în seria Pesci Rossi de Electa, în seria specială dedicată figurii lui Manzoni, creată în strânsă colaborare cu Fundația.

2) Îți poți descrie modul de gândire în 3 expresii?

Vă pot răspunde citând 3 propoziții scrise de Manzoni, care rezumă gândurile sale și mai presus de toate ne fac să înțelegem profunzimea sa extraordinară culturală: "Nu este nimic de spus: este doar să existe, există doar să trăiești " „De ce să nu curățăm această suprafață? De ce să nu încercăm să descoperim sensul nelimitat al unui spațiu total, al unei lumini pure și absolute? " „Nu poți părăsi pământul alergând și sărind, ai nevoie de aripi”.

3) A existat întotdeauna o relație strânsă între artă și ideea creativă? Cum a dezvoltat-o ​​Manzoni?

Manzoni a explorat soluții dematerializate și performative, caracterizate prin atenția asupra corpului și implicarea directă a publicului. Ruperea granițelor dintre artă și existența de zi cu zi și interesul pentru procesele organice și fiziologice sunt elemente esențiale ale multor lucrări ale sale, de la Corpurile aerului, la Sculpturile vii până la rahatul artistului.

4) Opera de artă este adesea descrisă ca un produs al iraționalității umane, rezultatul lipsei de emoție fără reguli, în opinia dumneavoastră?

În acest sens, Manzoni s-a exprimat foarte clar în 1957, când, în manifestul Arta nu este o creație adevărată, semnat cu Ettore Sordini și Angelo Verga, afirmă că artistul trebuie să elimine gesturile inutile, adică „tot ceea ce este în noi ca personal și literar în cel mai rău sens al termenului: amintiri nebuloase din copilărie, sentimentalism, impresii, construcții intenționate, preocupări picturale (...), neliniști false, fapte inconștiente inconștiente ... "

5) La ce artist ați dori să scrieți? Și artistul care se simte în mod expres cel mai aproape de tine?

Printre artiștii cu care nu am avut contact, dar cu care aș dori să am unii, se numără John Baldessari și Valie Export. Un artist pe care îl cunosc și îl iubesc foarte mult este Francesco Vezzoli, ultima sa expoziție la Fundația Prada a fost un proiect minunat.

6) Ce ați dori să transmiteți publicului dvs. cu această carte?

Sper că am putut să citesc convingător relațiile strânse pe care Manzoni le-a avut cu Roma de la mijlocul anilor 1950, concentrându-se asupra datoriilor și moștenirilor operei sale în mediul cultural al capitalei, care la acea vreme era deosebit de vitală și bogat în personalități originale, inclusiv Alberto Burri la Cy Twombly. De asemenea, sper că cartea va dezvălui fluiditatea și complexitatea extremă a relațiilor dintre Roma și Milano, realități artistice prea des tratate separat.

Organizez pentru editura University Press Sapienza un volum divers despre Renato Mambor, un artist legat de Școala din Piazza del Popolo, care s-a stins din viață în urmă cu trei ani. De asemenea, pregătesc, împreună cu Francesca Gallo, o mare expoziție antologică despre Ketty La Rocca, care se va deschide în primăvara anului 2018 la Ferrara. Datorită colaborării cu arhiva artistului, vor fi prezentate câteva materiale nepublicate și mai multe lucrări care nu au mai fost expuse până acum. Între timp, lucrez în continuare la relația dintre artă și feminism în Italia, cu diverse proiecte editoriale și expoziționale.

8) Pentru a termina, ce ați dori să lăsați pentru viitor?

Pentru moment mă gândesc mai mult la prezent decât la viitor, sper să las ceva din ceea ce am

Cartea Raffaella Perna documentează relația dintre Manzoni și Roma, subliniind rețeaua de relații pe care artistul milanez se împletește cu criticii romani, proprietarii de galerii și artiști și, de asemenea, sugerând o nouă lectură a ideilor pe care așa-numiții artiști din Piazza del Popolo le-au găsit în cadrul întâlnirii cu Manzoni.

Primele contacte ale artistului cu Roma datează din 1955 când, la doar douăzeci și doi, s-a înscris la Facultatea de Litere și Filosofie a Sapienței. Între 1959 și 1961 Manzoni va expune la Roma de patru ori, intrând mai întâi în contact cu Galleria Appia Antica și cu mediul cultural și artistic al lui Emilio Villa și cu Galeria Trastevere din Topazia Alliata, apoi cu Galleria La Tartaruga în regia lui Plinio De Martiis. La Roma, care la acea vreme trăia un sezon artistic deosebit de fertil, influența lui Piero Manzoni s-a manifestat în două faze diferite: la sfârșitul anilor 1950, aspectul acromatic și anti-expresiv al cercetării lui Manzoni a fost privit cu interes de tineri artiști romani, în special Franco Angeli, Mario Schifano, Giuseppe Uncini și Tano Festa. La mijlocul anilor șaizeci, opera lui Manzoni este, prin urmare, deja o sursă importantă pentru arta romană: relația strânsă pe care artistul o menține cu capitala pe parcursul scurtei sale vieți, încă de la prima sa ședere, contribuie considerabil la aceasta. Exact la opt ani de la moartea lui Manzoni, care a murit în urma unui infarct la 6 februarie 1963, expoziția de la Galeria Națională de Artă Modernă este consacrarea definitivă a operei sale: din acest moment, cercetările lui Manzoni intră în canonul italian. arta secolului al XX-lea ca unul dintre cele mai semnificative și originale puncte ale cercetărilor postbelice.

Cu ocazia prezentării cărții, filmul Piero Manzoni, Artist, regizat de Andrea Bettinetti și produs de Michele Bongiorno și Sky Arte HD, în colaborare cu Fundația Piero Manzoni, Milano, va fi proiectat pentru prima dată la Roma . Documentarul, realizat prin mărturii directe ale prietenilor, familiei și artiștilor care l-au cunoscut și frecventat, vrea să reconstruiască personalitatea omului, să-și arate calea artistică prin lucrări și proiecte neterminate, să exploreze secretul relevanței sale incredibile, chiar și în cuvintele personalități contemporane de renume internațional și printr-un amplu aparat documentar și audiovizual. Printre materialele nepublicate care au apărut în timpul cercetării, remarcăm descoperirea extraordinară a filmelor de epocă care constituie o mărturie foarte rară a imaginilor înregistrate ale artistului în unele dintre cele mai cunoscute acțiuni creative ale acestuia. Inițiativa este promovată de Roma Capitale, Departamentul de Creștere Culturală - Superintendența Capitolină pentru Patrimoniul Cultural.

Piero Manzoni (Soncino, 13 iulie 1933 - Milano, 6 februarie 1963) a fost un artist italian, faimos la nivel internațional pentru Achrome și Merda d’artista. Născut la Soncino în 1933 dintr-o familie de origini nobile, descendent îndepărtat al lui Alessandro Manzoni, a crescut la Milano, orașul unde a studiat pentru prima dată la Liceo Classico Leone XIII și la Academia de Arte Frumoase Brera. Datorită cunoștințelor familiei sale, a intrat în curând în contact cu mediul artistic milanez și, în special, cu artistul Lucio Fontana, celebrul fondator al spațialismului. Prima producție a lui Manzoni revine la modelele tradiționale, în principal peisaje și portrete în ulei. Cu toate acestea, deja în 1955, a început să-și încerce mâna în crearea de tablouri care au ca amprente obiectele de zi cu zi, începând să facă din pânză un instrument prin care să capteze realitatea. 1958 marchează timpul achromilor, din franceza incoloră: pânze înmuiate în gips sau caolin lichid și lipici, cu o suprafață albă. Nu există nicio intervenție a artistului asupra operei care se schimbă, materialul se transformă atunci când se usucă pe suport. Manzoni își expune lucrările într-o expoziție de grup cu Enrico Baj și Lucio Fontana. în 1959 pentru a-și continua cercetările în direcția „Acrhome”, începe să picteze „Liniile”, destinate obiectelor conceptuale. Primele „Corpuri de aer” datează din această perioadă, adică simple baloane umplute cu aer care vor fi apoi recunoscute cu numele de „respirația artistului” și expuse în 1960 la centrul de expoziții Azimut, legat de celebra revistă pe care a fondat-o cu colegul său Enrico Castellani în 1959. Între 1959 și 1961 Manzoni va expune de patru ori la Roma. Între timp, stilul lui Piero Manzoni devine și mai radical, propunând noi lucrări cu un caracter din ce în ce mai provocator. Pe lângă faptul că continuă să lucreze la „Linii” și „Acrhome”, el semnează niște ouă fierte cu amprenta degetului mare, care sunt distribuite publicului și mâncate pe loc în timpul uneia dintre spectacolele sale. De asemenea, a proiectat o „Bază magică” formată dintr-un piedestal simplu, semnat de el, capabil să ridice pe oricine se urcase pe ea la rolul unei opere de artă. În 1961 face cutii și vinde cea mai faimoasă dintre lucrările sale, și anume 90 „Merde de artist”, cântărind 30 g. Fiecare, vândut la un preț echivalent cu câte grame de aur fiecare. Pe lângă faptul că face aluzie, ironic și metaforic, la originea profundă a producției artistice, lucrarea abordează o critică precisă a sistemului pieței de artă contemporană, în care s-ar părea posibil ca un artist consacrat să vândă orice transmițându-l drept artă. Se continuă cu construcția unei alte „baze magice” și „bază a lumii”, un paralelipiped de fier răsturnat, pentru a alege lumea însăși ca operă de artă. În 1963, la 29 de ani, a murit brusc de un atac de cord în studioul său din Milano.

Raffaella Perna - Este profesor de istorie a artei contemporane la Departamentul de Științe ale Educației, Patrimoniului Cultural și Turism al Universității din Macerata. A scris: (2016) Pablo Echaurren. Mișcarea din 77 și indienii metropolitani, Postmedia Books, Milano (2013) Artă, fotografie și feminism în Italia în anii șaptezeci, Postmedia Books, Milano (2013) Wilhelm von Gloeden. Deghizări, portrete, tableaux vivants, Postmedia Books, Milano (2009) Sub formă de fotografie. Cercetări artistice în Italia din 1960 până în 1970, DeriveApprodi, Roma.

Este curator independent, consilier de artă și consultant internațional în managementul marketingului cultural. De peste 20 de ani a fost designer cultural de evenimente legate de arta contemporană, cu o atenție deosebită pentru spațiile neobișnuite și pentru interacțiunile cu alte arte. În calitate de manager de proiect, are cunoștințe aprofundate asupra diferitelor procese implicate în planificare, coordonare și activități pentru evenimente majore, de la organizare, organizare, cercetare, până la redactarea de texte și cataloage. A creat și a organizat peste 50 de recenzii, expoziții solo și de grup, instalații și intervenții în spații publice din Italia.
A urmat proiecte de studiu într-o relație strânsă între afaceri și culturi, în colaborare și la comanda marilor companii, organizații de artă, mass-media, festivaluri, universități, instituții. Printre interlocutori: Ambasade (Franța, Elveția, Belgia, Germania, Austria, Spania, Egipt, Turcia ..) Comunitatea Europeană, muzee de stat, naționale, municipale din Italia și internaționale, Fundații. De asemenea, și-a continuat cercetările ca manager cultural independent pentru proiecte locale de dezvoltare socială bazate pe cultură. În 2005 a fondat Art & Communication, o asociație non-profit pentru susținerea, promovarea și difuzarea artei contemporane, pe care o urmărește și astăzi. Interesul său se concentrează pe noi practici artistice internaționale, în special în ceea ce privește participarea la proiecte de artă în spații publice. Expertă super partes, cu cel mai mare profesionalism și transparență, obiectivitate și confidențialitate, discreție și imparțialitate, asigură monitorizarea constantă a pieței prin evaluarea oportunităților: - pentru artiști în crearea de expoziții personale și de grup, susținându-i în toate fazele și propunând legături concrete în Italia și în străinătate - pentru clienții privați și companiile de vânzare și cumpărare, pentru a evita riscurile și a direcționa alegerea către prețuri autentice cu un raport calitate / preț echilibrat pe care artistul sau piața în sine îl oferă. Evaluarea operelor de artă modernă și contemporană.

Lasa un comentariu Anuleaza raspunsul

Acest site folosește Akismet pentru a reduce spamul. Aflați cum sunt procesate datele dvs.

  • Martie 2021
  • Februarie 2021
  • Ianuarie 2021
  • Decembrie 2020
  • Noiembrie 2020
  • Octombrie 2020
  • Septembrie 2020
  • August 2020
  • Iulie 2020
  • Iunie 2020
  • Mai 2020
  • Aprilie 2020
  • Martie 2020
  • Februarie 2020
  • Ianuarie 2020
  • Decembrie 2019
  • Noiembrie 2019
  • Octombrie 2019
  • Septembrie 2019
  • August 2019
  • Iulie 2019
  • Iunie 2019
  • Mai 2019
  • Aprilie 2019
  • Martie 2019
  • Februarie 2019
  • Ianuarie 2019
  • Decembrie 2018
  • Noiembrie 2018
  • Octombrie 2018
  • Septembrie 2018
  • August 2018
  • Iulie 2018
  • Iunie 2018
  • Mai 2018
  • Aprilie 2018
  • Martie 2018
  • Februarie 2018
  • Ianuarie 2018
  • Decembrie 2017
  • Noiembrie 2017
  • Octombrie 2017
  • Septembrie 2017
  • August 2017
  • Iulie 2017
  • Iunie 2017
  • Mai 2017
  • Aprilie 2017
  • Martie 2017
  • Februarie 2017
  • Ianuarie 2017
  • Decembrie 2016
  • Noiembrie 2016
  • Octombrie 2016
  • Septembrie 2016
  • August 2016
  • Iulie 2016
  • Iunie 2016
  • Mai 2016
  • Aprilie 2016
  • Martie 2016
  • Februarie 2016
  • Ianuarie 2016
  • Decembrie 2015
  • Noiembrie 2015
  • Octombrie 2015
  • Septembrie 2015
  • August 2015
  • Iulie 2015
  • Iunie 2015
  • Mai 2015
  • Aprilie 2015
  • Martie 2015
  • Februarie 2015
  • Ianuarie 2015
  • Decembrie 2014
  • Noiembrie 2014
  • Octombrie 2014
  • Septembrie 2014
  • August 2014
  • Iulie 2014
  • Iunie 2014
  • Mai 2014
  • Aprilie 2014
  • Martie 2014
  • februarie 2014
  • Ianuarie 2014
  • Mai 2013

Pentru reglementarea nr. 2016/679 cunoscut sub numele de GDPRS vă informăm că pe acest site folosim cookie-uri tehnice și, cu acordul dumneavoastră, cookie-uri de profilare, atât ale noastre, cât și de la terțe părți, pentru a vă oferi publicitate în conformitate cu preferințele dumneavoastră.
Cu toate acestea, făcând clic oriunde pe ecran, derulând sau închizând acest banner, sunteți de acord cu utilizarea tuturor cookie-urilor.
Dacă doriți să aflați mai multe sau să dați consimțământul doar pentru unele utilizări, faceți clic pe Info Accept


  • 1 Biografie
    • 1.1 Anii 1950
    • 1.2 Anii șaizeci
    • 1.3 Anii șaptezeci
    • 1.4 Optzeci
  • 2 Expoziții și bibliografie
  • 3 Carlo Alfano în muzee
  • 4 Arhiva Alfano
  • 5 Note
  • 6 Alte proiecte
  • 7 Legături externe

Rare și esențiale sunt puținele note biografice despre artist, care în primii ani a vorbit despre un capitol intim caracterizat printr-o „preistorie” personală și „o muncă solitară [1]”. Încă din anii 1950, pregătirea sa alături de „pictură” în sensul strict al altor interese precum muzica (a urmat Conservatorul San Pietro a Majella), literatura și studiul filosofiei. Mai târziu va fi interesat de problemele legate de reprezentare și percepție, acest lucru îl va determina să se înscrie, după ce a frecventat liceul, la Academia de Arte Plastice din Napoli. Din anii șaizeci până la sfârșitul anilor optzeci a participat la unele dintre cele mai semnificative expoziții desfășurate în Italia și în Europa. Printre alții, au scris despre opera sa: Flavia Alfano, Giulio Carlo Argan, Alberto Boatto, Bruno Corà, Maria De Vivo, Achille Bonito Oliva, Gianfranco Maraniello, Filiberto Menna, Pierre Restany, Jürgen Schilling, Erich Steingräber, Francesco Tedeschi, Angelo Trimarco , Lea Vergine, Andrea Viliani.

Anii 1950 Edit

Prima producție a lui Carlo Alfano se referă la o etapă de antrenament, caracterizată printr-o intensă activitate experimentală. În decembrie 1955, prima sa expoziție personală a avut loc la Napoli la Galeria San Carlo, unde a prezentat lucrări grafice. În același timp, limbajul pictural al acelor ani sugerează imagini care alternează concrețiile materiale informale cu ușurința coloristică [2].

Ediția anilor șaizeci

Plecând de la semnificația viziunii, cercetarea lui Alfano din anii 1960 se concentrează pe relația contradictorie dintre logică și percepție. În 1962 a expus la Roma la Galerie Obeliscul un ciclu de lucrări în care pânza este un spațiu negru, profund și de neînțeles, în timp ce figurile apar monumental izolate și fluctuante "pictorul tinde să se insereze într-un sistem temporal, într-o categorie, ale cărei pietre de temelie sunt valorile fluxul și durata. Prin anularea din ce în ce mai mult a vizibilului și a contingenței sale imediate "[3].

Începând cu 1963, depășind conceptul tradițional de pictură, problema reprezentării exprimată de artist ca formă de semn și ambiguitate spațială în raport cu timpul apare ca centrală pentru opera sa. Din 1964 cercetările sale au luat conotații din ce în ce mai analitice, emblematice în acest sens sunt lucrările ciclurilor Tipul și structurile ritmice este Timpuri de perspectivă prezentat în 1966 la Agenția de Artă Modernă a lui Lucio Amelio din Napoli. În aceste lucrări, un sistem simplu de semne geometrice este pictat pe un suport din lemn, sul

care sunt plasate în metacrilat cilindri metalici oglinziți sau transparenți (numiți selecțiori de către artist). Interacțiunea luminii asupra acestor corpuri reflectante creează diferite cazuri fenomenale și perceptive. Exemplar în acest sens este instalarea lucrării Timpuri de perspectivă, 1970-1972, plasat în fața plăcilor Mormântului scafandrului [4] din Muzeul Național Arheologic din Paestum [5].

Alfano își definește astfel omagiul personal spațialității clasice și oferă o contribuție originală la experimentele de artă cinetică și apoi de artă conceptuală care s-au dezvoltat în acei ani. Plecând de la o reflecție asupra clasicismului și a canoanelor sale, artistul demonstrează ambiguitatea dintre spațiu și convenția perspectivei Renașterii prin diferite metode expresive. Centrul în acest sens este ciclul numit Distanțe și în special munca Distanțe (ale distanțelor față de reprezentare), din 1968-1969. Lucrarea este instalată în colțul unei camere și prezintă o imagine de perspectivă spațială. Vizitatorii sunt invitați să urmeze linia trasată pe podea care ar trebui să îi conducă să ajungă la punctul de fugă, dar iluzia de profunzime dispare atunci când utilizatorul, mergând și reducând astfel distanța dintre el și lucrare, găsește esența unei ambiguități spațiale [ 6].

Multe dintre lucrările artistului sunt axate pe implicarea totală a privitorului în fluxul de timp [7] și pe experiența sugestivă a fructificării, așa că se întâmplă în lucrare Distanțe față de reprezentare, 1968/1969. Aici, în lumina slabă a unei camere, o picătură cade la intervale regulate, conturând reprezentarea în apă și apoi în reflexia de pe perete ca umbra unui divertisment tăcut și infinit [8].

Din 1968, multe dintre lucrările proiectate și create sunt instalații și medii precum cele prezentate în 1969 la Galeria Națională de Artă Modernă și Contemporană, în 1970 în expoziții Vitalitatea negativului (Roma), Iubirea mea (Montepulciano) și la Agenția de Artă Modernă din Napoli.

Edit din anii 1970

Lucrările de la sfârșitul anilor 1960 condensează discursul despre spațiu / timp într-o formă esențială și astfel definesc poetica lui Alfano. Munca Cameră pentru voci, Arhiva nominalizărilor 1969, '70, '71, '72, '73, '74. din 1968/1969, este proiectul de lucru prezentat la Napoli (1972), la Milano, la Galleria dell’Ariete, și la Berlin, la Galerie Folker Skulima. Opera, care constituie nucleul central al maturității artistului, păstrează doar spațiul perimetral al unui cadru gol din aluminiu de 200 x 220 cm [9] din forma clasică a picturii. Aici forma clasică a picturii este dizolvată și reprezentarea este înlocuită cu cuvinte care traversează întregul spațiu al camerei.

Pânza este înlocuită de un gol în care rulează o bandă magnetică și reprezentarea cedează locul acțiunii temporale care se exprimă prin sunet. Diferite fragmente sonore ies din cadru, conținute în multe înfășurate în colaci și apoi păstrate în diverse cutii de marmură care fac parte din Arhiva nominalizărilor. Diferitele fragmente temporale pe care le putem asculta au o durată de 1 minut și 40 de secunde, adică exact spațiul / timpul necesar benzilor pentru a traversa spațiul gol al cadrului cu o mișcare circulară și a reveni la ele însele. Sunetul cuvintelor-timp care iese din două fante mici umple, modelându-l, întregul spațiu al Cameră pentru voci, configurarea unui loc pentru reprezentarea diferitelor genuri artistice precum: naturi moarte, portrete, autoportrete [10].

În paralel, din 1969, Alfano și-a însușit mediul pictural tradițional și pe pânzele mari monocrome negre sau albe își transcrie percepția subiectivă și personală a timpului prin secvențe numerice liniare de secunde intercalate cu tăceri, fraze, gânduri și reflecții ocazionale. Pânzele mari ale ciclului au fost prezentate în 1974 la München la Galerie Art in Progress, apoi la Kunsthalle din Berna și la Paris la Galeria Ileana Sonnabend. Prima dintre lucrările aparținând ciclului Fragmente dintr-un autoportret anonim este Fragmente ale unui autoportret anonim # 1, 1969/1970, unde găsim un fragment vizual oglindit și inversat pe planul spațial-pictural care se referă la fragmentul temporal și sonor al Cameră pentru voci.

Aici timpul transcris pe pânză, secundă după secundă, interacționează cu prezentul nostru într-o dimensiune dialogică. În această privință, Carlo Alfano clarifică: „Înțelesul fiecărui fragment - ca al fragmentului mare care reprezintă întregul tablou - nu este acela de a comunica o serie de concepte complete și o liniaritate a timpului. A unităților secundelor ( semn am ales să indic timpul) Sunt interesat de apariția lentă a cuvântului, tensiunile regulilor sale, conflictele și excluderile mișcărilor sale subiective, înainte ca cuvântul să atingă acea plenitudine care va umple tăcerea [11] ” . Din 1971, Alfano a lucrat mult pe o dimensiune spațio-temporală inefabilă. Prezentul anonim al liniei de secunde, în ciclul de Fragmente dintr-un autoportret anonim, se suprapune, de exemplu, cu personaje paradigmatice, care interacționează cu epopeea rătăcitoare a lui Don Quijote sau cu geografia densă a dorințelor lui Molly Bloom, în Ulise de James Joyce.

În multe lucrări din anii șaptezeci, reflecția lui Alfano intersectează și câteva icoane caravaggești. Mai exact, aspectul pe care se concentrează artistul nu este aspectul figural al acestor icoane, ci ceea ce poate fi definit ca un loc de suspendare.

Din Vocația Sfântului Matei Așteptarea lui Caravaggio sub formă de întuneric îl fascinează, întunericul ca o scădere din reprezentare, „[acel] spațiu gol și întunecat [care] se deschide ca o graniță impracticabilă.” [12] În ciclu De la vocație la jucător, el concentrează în întuneric valoarea spațiu-timp a pauzei, a distanței dintre cele două grupuri de personaje, făcând-o să coincidă cu tăcerea unui prag deschis prezentului nostru.

Acest aspect al cercetării, dezvoltat de la mijlocul anilor 1970, este exprimat în ciclul Eco-Narcis prezentat în 1978 în camerele Muzeului Prințului Diego Aragona Pignatelli Cortés din Napoli și anul următor în Leverkusen în Muzeul Morsbroich. Reflecția dublă a lui Narcis și Ecou în apă și în sunet se referă, încă o dată, la un spațiu ambiguu în care sinele și celălalt propun două realități egale și diferite pe un plan temporal simultan. Cele două imagini non-coincidente reflectă un loc care coincide cu pierderea centrului de greutate figurativ și unicitatea spațială imposibilă se simte în îngroșarea versiunilor Vocației și Narcisului, o dorință de a pătrunde în întunericul semantic care tocmai a fost descoperit și de a fi explorată ca un teritoriu virgin plin de surprize posibile [13] .

Editează anii optzeci

În lucrările anilor optzeci, figura umană, reprezentată împărțită în două părți, subliniază o scindare și o pierdere a centralității clasice mai mult ca oricând internă individului. Lucrarea deceniului se bazează pe această reflecție, punctată de lucrări cu un impact vizual foarte puternic: rarefiat și tăcut la rece. În lucrările prezentate la XL Bienala Internațională de Expoziție de Artă de la Veneția în 1982, fragmentarea spațiu-timp este comparată și definită ca o fractură a pânzei și a figurii individuale [14] sunt tăiate și împărțite, dar chiar dacă sunt împărțite cele două jumătăți ale reprezentarea rămâne la mărturie „Urme și fragmente ale corpului și ale corpului în mișcare într-un spațiu gol, tăcut, compus din zone de lumină și umbră, [...]„ figuri ”, care descriu un om care se mișcă cu dificultate, aproape se târăște, apare sau dispare în umbră ... [15] ”.

Despre muncă Eco-Descent (deschis - negru) (1981) parte a colecției Terrae Motus e ora ospitata nelle sale della Reggia di Caserta lo stesso Alfano dirà: “Le due sezioni del corpo spezzato sono l’una l’eco dell’altra: l’eco rimanda alla voce e viceversa. Nel mio lavoro è fondamentale il tema della duplicità. Nel mio caso il doppio non va inteso come sommatoria, bensì come condizione d’ambiguità in cui giocano il reale e il suo riflesso. Alla fine tutto oscilla tra questi due falsi. L’eco, a sua volta, è una voce che si ripercuote e che va oltre la sua sorgente di origine, ma che ha sempre bisogno di un’emittente, di una matrice: così nel quadro le due parti staccate non possono agire autonomamente [16] .” I grandi dipinti della metà degli anni Ottanta sono da considerarsi come un preludio per la genesi di Camera 1 e Camera 2: “un’eredità spiazzante, nutrita a sua volta di richiami alla storia dell’arte, dove Alfano ha voluto convocare e far rivivere alcuni dei segni più radicati nell’immaginario artistico occidentale, privandoli però delle loro vesti rassicuranti" [17] .

Camera n.1 (1987) realizzata per il Salone Camuccini (ora sala 2) nel Museo nazionale di Capodimonte di Napoli è un freddo polittico in

alluminio di 2 metri per 6 dove sono rappresentate le due metà di un corpo vitruviano che “(…) rispettivamente entrano ed escono nello e dallo spazio nero dell’opera. La parte destra della ‘figura’, quella posteriore, guarda nel suo ‘luogo’, nello spazio nero interno dell’opera dove si riflette l’esterno, il reale. La sinistra, la parte anteriore della ‘figura’, va verso l’esterno al quadro con il braccio teso come a cercare fuori dall’opera in cui vive il suo equilibrio, il suo spazio [18] .” A poca distanza dal polittico, nella “camera” dialoga a distanza una figura classica: si tratta di un ottaedro sulle cui facce appaiono bussole con orientamenti diversi, l’insieme dei piani rimanda ad una condizione instabile, disorientante e alla individuale perdita di coordinate un astratto oggetto simbolico diviene concreto riferimento di ingovernabilità del processo rappresentativo [19] . L’”insonorizzazione” emotiva perseguita in questo lavoro, come in molte delle opere della fine degli anni Ottanta, trova compiuta espressione nella respingente opacità dei pannelli in alluminio e della pellicola fotografica bruciata [20] , materiali che traducono percettivamente concetti e riflessioni che attengono alla dimensione sia pittorica che umana di Carlo Alfano quali: “durata, intensità, risonanza, profondità, opacità, sonorità, silenzio, memoria, destino, luce, oscurità [21] ”.

Per i dati bio-bibliografici completi ed aggiornati si rimanda al sito dell'Archivio Alfano e al catalogo "Carlo Alfano soggetto spazio soggetto" [22] , il catalogo della mostra ospitata dal MART di Rovereto nel 2017 [23] . Alcuni brevi video della mostra si possono vedere sul sito Internet del Museo MART.

Il 9 ottobre 2019, presso il Teatro San Carlo di Napoli, nel contesto del Festival Artecinema, è stata presentata l’anteprima mondiale del film “Carlo Alfano: tra io e l’altro”, diretto da Matteo Frittelli, ripercorre il lavoro di Carlo Alfano ricomponendo uno spaccato dell’immaginario dell’artista napoletano, accompagnando lo spettatore verso la scoperta delle opere [24] .

  • Museo D'arte Contemporanea Donnaregina - MADRE, Napoli
  • Reggia di Caserta, Collezione Terrae Motus, Caserta
  • Galleria Nazionale d’arte moderna e contemporanea - GNAM, Roma.
  • Museo archeologico nazionale, Paestum
  • Museo nazionale di Capodimonte, Napoli
  • Museo d’arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto - Mart , Rovereto
  • Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea - GAM, Torino
  • Galleria Civica d’Arte Contemporanea “Giuseppe Perricone”, Erice (TP)
  • Pinakothek der Moderne, München
  • Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam
  • Tel Aviv Museum of Art, Israele
  • Museum of Modern Art- MoMa Department Drawing and Prints, New York

L’archivio del pittore Carlo Alfano (Napoli, 1932-1990) ha sede a Napoli dove si trova la più ampia documentazione disponibile sull’opera di Carlo Alfano. L’archivio comprende: documenti appunti scritti autografi studi corrispondenze materiale di studio composto da negativi fotografie lastre antiche diapositive e foto realizzate da Carlo Alfano e utilizzate dall’artista per ricerca e studi preparatori taccuini di studio materiale cinematografico e filmati realizzati dall’artista e sull’artista materiale audio nastroteca e digitalizzazione del repertorio sonoro inerente l’opera Stanza per voci, Archivio delle nominazioni 1969,'70, '71,'72,'73,'74. , 1968/1969 ed una lunga intervista registrata nel 1990 materiale fotografico, una vasta documentazione iconografica del lavoro di Carlo Alfano che copre un arco temporale che va dagli anni Cinquanta alla fine degli anni Ottanta, una documentazione fotografica inerente gli allestimenti e le opere in collezioni pubbliche e private una biblioteca con i testi personali dell’artista cataloghi periodici quotidiani riviste specializzate tesi di laurea manifesti inviti.


Quotazioni Carlo Wostry

Per una valutazione gratuita della tua opera di Carlo Wostry, rivolgiti ai nostri specialisti storici dell’arte.

Consultaci sia posizionando le foto dell’opera nel form sottostante, oppure utilizzando i procedimenti di contatto in alto.

Offriamo una perizia qualificata anche in meno di 24 ore. Acquistiamo opere di questo artista.

Per una stima accurata, è indispensabile avere le foto dell’opera, con rispettive misure, della firma ed anche del retro.


Attachments

Articoli correlati (da tag)

  • Chi sono io? Autoritratti, identità, reputazione Fotografie di Guia Sara Besana, Silvia Camporesi, Anna Di Prospero, Simona Ghizzoni, Moira Ricci
  • Divine. Omaggio a Giovanni Boldini
  • Chi sono io? Autoritratti, identità, reputazione Fotografie di Guia Sara Besana, Silvia Camporesi, Anna Di Prospero, Simona Ghizzoni, Moira Ricci
  • Camporesi/Di Prospero - La Triennale, Milano
  • Camporesi/Di Prospero - Palazzo delle Esposizioni, Roma
  • Anna Di Prospero - CUBO Unipol, Bologna
  • Anna Di Prospero - Palazzo Ducale, Mantova
  • MLB a Porto Cervo. Contaminazioni di energie
  • Al MAXXI presentazione del libro di Concita De Gregorio con interviste ad Anna Di Prospero e Silvia Camporesi
  • Cuore liquefatto. Affinità empatiche con Carlo Bononi
  • Camerani/Camporesi/Di Prospero/Sabbagh - MAAD, Adria

Notizie dell'artista Marco Perna

Nouvelle vidéo dédiée à mes derniers tableaux. Je remercie ma très chère amie Barbara Bouamra de m'avoir prêté sa voix magnifique

Marco Perna e Maria Chiara Salmeri per MAD in Monti

Via Tor de' Conti, 15, Rome, Metropolitan City of Rome, Italy

Perna e Salmeri per Mad in Monti

MARCO PERNA
Artista italiano residente in Francia, si è formato nell'atelier del pittore Manlio SARRA, maestro di cui ha condiviso l'amore per il colore, per il valore delle proprie radici e per le linee mai troppo definite.
Dopo alcuni anni in cui la sua ispirazione artistica aveva dovuto lasciare spazio e tempo alla sua professione di ingegnere e grazie anche a nuove motivazioni legate al suo trasferimento in Francia nel 2007, egli ha finalmente deciso di dedicarsi a tempo pieno a quello che è stato il suo primo amore: la pittura.
Impressionista concettuale, nelle sue tele la figurazione è utilizzata per interpellare l'animo dello spettatore e spingerlo a riflettere su dei significati che vanno al di là di quello che l'occhio percepisce e che costituiscono in realtà la vera ragion d'essere delle sue opere.
A volte ricorre anche al linguaggio astratto, quando lo ritiene più funzionale al tema che intende affrontare, perché si ritiene libero da schemi preordinati.
Il suo bisogno di esprimere il suo mondo interiore lo ha portato anche a cimentarsi nella scrittura per provare a mettere anche in versi la poesia di cui sono impregnate le sue opere pittoriche e per avere un mezzo d’espressione alternativo, o semplicemente complementare, al linguaggio pittorico.
Ha già esposto in diversi paesi europei, oltre che in Marocco e negli Stati Uniti ed ha opere esposte in permanenza al Polo espositivo Juana Romani di Velletri e al Palazzo Del Gaudio Campagna di Mendicino.
Hanno scritto di lui noti critici, fra cui: Eraldo di Vita e Pasquale Solano.
La rivista “EuroArte” pubblica regolarmente le sue opere e anche la rivista Franco-Lussemburghese “PassaParola” ha recentemente pubblicato una sua intervista.
Il noto critico Eraldo di Vita ha detto di lui: “Questo originale artista fa un uso della percezione comune del tutto sovversivo: i soggetti che dipinge sono riconoscibili, ma lui li rappresenta secondo una logica poetica, secondo un ordine capace di farli apparire in una luce inedita, dotati di una forza del tutto nuova. Egli vive nel mistero del mondo.”

MARIA CHIARA SALMERI
Maria Chiara Salmeri, di origini siciliane, vive e lavora a Roma.
Laureata in Storia dell’Arte Contemporanea, si occupa per diversi anni di questo campo
collaborando in qualità di curatrice di progetti espositivi e editoriali. Un lavoro di studio e di
confronto grazie al quale si accosta gradualmente alla pittura da autodidatta e per pura passione.
Espone nel 2012 in occasione di “Teatri Riflessi – Festival Nazionale di Corti Teatrali”, Catania,
con un progetto dal titolo “TeatraRte” e l’anno seguente in occasione del Premio Letterario
Antonio Aniante, Viagrande (CT).
I suoi lavori, acrilico e tempera su tela, si muovono sul terreno delle stratificazioni emotive e degli attimi catturati in danze di colori e tratti, in contrasto e simbiosi, di forme astratte che si
plasmano in strade vivaci.

Mes couleurs, mes mots, ma vie

Via della Madonna dei Monti, 69, Roma, Metropolitan City of Rome, Italy

Mostra personale di pittura

Mes racines, mes ailes

Château Ducal de Monte San Giovanni Campano

Dans le fameux Château Ducal de Monte San Giovanni Campano connu pour avoir été la prison de Saint Thomas D’Aquin et pour son histoire millénaire, j'expose une vingtaine de mes tableaux dans une expo organisé à la mémoire de mon maître le peintre Manlio SARRA.

EuroArte

Image de couverture et article sur ma démarche artistique sur la revue EuroArte

Milano Arte Quotazioni

Couverture de la revue "Milano Arte Quotazioni"

Marco Perna vive nel mistero del mondo

Critique de Eraldo Di Vita publiée sur la revue EuroArte

Catalogo Generale delle Opere della Biennale internazionale del Mediterraneo "MeArt"

Critique de Sandro Serradifalco publiée sur le Catalogue Général des Œuvres de la Biennale Internationale de la Méditerranée "MeArt"

Ringrazio la mia cara amica Barbara Bouamra per avermi prestato la sua splendida voce e la sua musica per accompagnare questo mio racconto della donna, del suo problematico rapporto con l'uomo e delle sue battaglie di libertà ed eguaglianza.

1ềre Expo Internationale de Marrakech des Arts Plastiques

Espace d'Exposition Almazar Centre Commercial Almazar Route de l'Ourika Marrakech

La 1ère Expo internationale des Arts Plastiques de Marrakech proposé par Almazar Art Gallery et l'Association Marocaine des Art Plastique et Échange des Cultures

Veritas Feminae

Villa Bernasconi L.go Alfredo Campanini 2 Cernobbio (Como)

Attraverso le opere pittoriche, scultoree, fotografiche e le installazioni di 52 artisti in esposizione + 7 guest artist fuori concorso, prosegue il percorso indagatore sull’universo femminile, portando alla luce le “verità velate” del suo animo. Il testo critico è affidato alla dott.ssa Teresa Stacca, critico d’arte. Anche per questa esperienza, ad ogni artista in esposizione sarà affiancato una ‘DONNA SIMBOLO’: Ipazia D’Alessandria, Sononisba Anguissola, Matilde Serao, Giovanna d’Arco, Frida Kahlo, Maria Sklodowska, Edith Piaf, Rita Levi Montalcini, Marie-Sophie Germain, Maria Callas, Sabine Spielrein e tante altre…. Tutte donne che hanno lasciato un’impronta indelebile nella nostra storia.
Il vernissage è fissato per il giorno 8 dicembre alle ore 18.00 in presenza delle Istituzioni locali, degli artisti, appassionati d’arte, addetti del settore e critici.
La mostra sarà fruibile fino al18 dicembre 2016 con orario 14.00/19.30.
L’ingresso è libero.
Durante il Vernissage è prevista la Performance
DANDELION | Ciò che per Lei è salvezza, per Lui è prigione
a cura di Mina D’elia e Massimiliano Manieri.
Mina e Massimiliano ci condurranno insieme alla conoscenza di mondi apparentemente contrapposti, il maschile ed il femminile, e il tentativo, artistico e poetico, di superare le "cesure", di trovare una nuova via. Lui rappresenta la gravità, il nichilismo che però nascondono un estremo e titanico sforzo di "liberazione". Lui cuce i suoi veti a chimere elette a dogmi carnefici. Lei, nella gravità e nel Caos, si fa "piuma, vento, seme" per riappropriarsi della dimensione naturale che ci è toccata come destino, ma della quale l'umanità sembra aver perso ogni ricordo. Il femminino opera il riscatto, rende possibile ancora farsi "beffa" dei sistemi (economico, ideologico, religioso) e rialzare gli occhi al cielo e nutrirsi ancora della Terra. La leggerezza e il gioco nascondono ben altro! Sono l'ultimo e il più poetico tentativo di Salvezza dopo aver attraversato il dolore, il fallimento, il senso di Caos e di morte che sembra schiacciare ogni traccia di spiritualità, di sacralità.
Ad arricchire la serata inaugurale, inoltre, reading itineranti di poesie tra le stanze espositive, con scelte poetiche a cura di Liliana Angela Grassi e letture recitate dai lettori dell’Associazione #abbracciebaci:
Re Giovanni, Massimo Varisco, Giorgio Cottini e Malu’ Lattanzi
La Location
Villa Bernasconi a Cernobbio costituisce uno dei più preziosi esempi di stile liberty in Italia. Fu edificata prima tra il 1905 ed il 1906 dall’Architetto Alfredo Campanini, non direttamente sul lago ma a poca distanza dallo stabilimento tessile del committente Davide Bernasconi. La decorazione della villa è ispirata all’industria tessile: uno dei più notevoli dello stile floreale esuberante in Lombardia. I motivi decorativi ricordano il processo di produzione della seta con decorazione che si ispirano a bachi da seta, farfalle e foglie di gelso.

Portraits manqués

Galerie Neuf 9 rue Gustave Simon, 54000 Nancy

Les artistes de l'association ADEIG : Philippe DEGOTT, C-M.GRIMALDI, Elvis MAGHALAES, Marco PERNA, peintures et Etienne MARCHAL, sculptures
vous présentent leurs : "PORTRAITS MANQUÉS"
d'après un texte de VOLTAIRE :
"On ne peut faire ton portrait :
Folâtre et sérieuse, agaçante et sévère,
Prudente avec l’air indiscret,
Vertueuse, coquette, à toi-même contraire,
La ressemblance échappe en rendant chaque trait.
Si l’on te peint constante, on t’aperçoit légère :
Ce n’est jamais toi qu’on a fait

L'Apparenza Incanta

Castello di Fiano Romano 00065 Fiano Romano

La mostra vuole, oltre che entrare nel clima del luogo, dare libera interpretazione del concetto di apparenza agli artisti. Avrà luogo presso l’ala sud privata del Castello di Fiano Romano, in provincia di Roma

ArtEos al Monumentale

Complesso Monumentale "Guglielmo II" Monreale - Palermo

Con il Patrocinio del Comune di Monreale
L'Associazione Culturale ArtEos presenta:

Mie opere del biennio 2015-2016
Colonna sonora : "Il respiro di una notte d'estate . " di Luigi Pellegrini

Face'ARTS

Galleria Farini Via San Vitale 23/a, 40125 Bologna

Un’esplosione di arti, stili e colori. È l’energia che dà vita all’ottava edizione di Face’Arts, la mostra internazionale d’arte contemporanea che si terrà a Bologna dal 22 ottobre al I novembre. Dopo aver toccato location prestigiose in città come Conversano, Pesaro, Lecce, Jesi, Merano, Verona e Matera, l’evento fa tappa alla Galleria Farini Concept. Uno scenario d’eccezione dove per dieci giorni prenderanno vita le opere di oltre quaranta artisti provenienti non solo dall’Italia, ma anche da vari paesi europei, tra i quali Germania, Austria, Svizzera, Francia e Irlanda. Promossa anche l’arte locale con la partecipazione di due artiste bolognesi: Gabriella Baraldi e Bruna Labruna. Ideato e curato da Mary Sperti in collaborazione con il professor Nuccio Mula, componente dell’Associazione internazionale Critici d’Arte e uno dei dieci iscritti alla lista critici d’arte parigini, la mostra nasce con l’obiettivo di divulgare l’arte in tutte le sue forme, cercando di creare un palcoscenico che possa far convivere armoniosamente la scultura, la pittura, la fotografia, la danza, la musica e la letteratura. Patrocinato dall’Ordine dei Giornalisti delle Marche, regione dove risiede la Sperti, dal Comune di Bologna e dalla Regione Emilia Romagna, l’evento, oltre che a far conoscere gli artisti presenti, è stato concepito con l’intenzione di rendere sempre più stretto il rapporto tra i vari aspetti artistici e il fruitore, consentendogli di vivere un’esperienza simbiotica con ciò che lo circonda all’interno della location utilizzata. Proprio per favorire il consumo d’arte, l’accesso alla mostra è totalmente gratuita. Altro fondamentale intento è quello di far interagire il territorio con l’arte, facendo convogliare per i giorni dell’evento decine di artisti in città, offrendo loro lo specchio di peculiarità – culturali, artistiche, turistiche, enogastronomiche - che la regione che ospita Face’Arts possiede. A fare da collante a tutte le edizioni fino ad ora realizzate, la stampa di un catalogo in cui vengono descritti gli artisti presenti e le opere esposte. La conferenza stampa dell’evento si terrà il 21 ottobre alle ore 11 presso il portico della Galleria Farini. Il vernissage è previsto per il 22 ottobre, ore 18. Ad aprire la mostra, i musicisti del duo Emhain Cecilia e Alici Masini, e la degustazione dei vini d.o.c dell’Azienda Vitivinicola Socci di Castelplanio (Ancona). Presente il sommelier forlivese Maurizio Brasini.

Di Rosa . in Rosa

Roseto di Roma Capitale Via di Valle Murcia 7 Roma

Mostra d'Arte nell'ambito del Concorso Internazionale per nuove varietà di rose "Premio Roma" 2016 74a Edizione

Biennale di Viterbo, 4a edizione

Palazzo dei Priori, Palazzo dei Papi e Convento, Museo e giardino Santa Rosa Venerini, VITERBO

CANTIERE BIENNALE VITERBO
Viterbo, 5 maggio - 5 giugno 2016
Il 5 maggio si apriranno le porte del Cantiere Biennale nelle sedi di : Palazzo dei Priori, Palazzo dei
Papi e Convento Santa Rosa Venerini, con allestimenti work in progress, per cercare quella magia
che ci salva e cura dalle tenebre, per vivere con intensità nel quotidiano anche il mondo invisibile
dei pensieri e dei sentimenti ed arrivare, non esausti ma felici, fino all’ultimo giorno per
l’inaugurazione.
Nell’Anno Giubilare della Misericordia e del 400° anno dalla morte del grande scrittore William
Shakespeare, la Biennale di Viterbo, giunta alla 4a edizione, è la più “giovane” d’Italia, giovane
nello spirito, nelle dinamiche, e nell’attenzione sempre riservata fin dagli esordi, alla generazione
artistica accademica, emergente e contemporanea, senza mai dimenticare ed esaltare la bellezza e la
cultura antica.
Un Cantiere dove di giorno in giorno si costruirà, o ricostruirà: saranno a ricordarcelo I Solisti
Aquilani con un Concerto al Duomo di San Lorenzo il giorno 6 maggio alle ore 21. Mentre pittori,
scultori e performers accoglieranno il curioso spettatore nelle sedi espositive di Palazzo dei Priori in
sala Regia, Palazzo dei Papi in sala Alessandro IV, nel Convento Santa Rosa Venerini con le
Accademie di Bari, Firenze, Milano, Roma, Urbino e Verona, nonchè il liceo artistico di Conegliano
(Tv).
Due le aperture speciali : il Museo Santa Rosa Venerini, dove oltre la visita, sarà presente la mostra
“. camminando con Francesco” di Stefano Galardi l’attiguo giardino con l’inaugurazione della
prima residenza d’artista di Viterbo in cui la ceramista Daniela Lai di Artistica realizzerà in itinere
durante tutto il mese della Biennale un’opera site specific dedicata all’infanzia.
Sempre nel Convento Santa Rosa Venerini si allestirà la prima residenza teatrale. Mentre al Gran
Caffè Schenardi “Cleopatra divina donna d’Inferno”, di e con Antonella Rizzo, si presenterà nella
sua vera essenza di donna. E “nel mezzo del cammin. “ il 15 maggio ci troveremo a Tuscania per
assegnare il Riconoscimento Internazionale per la Cultura Indipendente in Movimento ad una
grande donna “pastora ed artista” : Bonaria Manca (Orune, 1925*).
Molti gli eventi in calendario, un viaggio, un sogno che ricalcherà quello di uno Shakespeare
ventenne, con il suo stile e talento visionario, che nell’estate del 1584 salpa dal porto di Dover alla
volta dei Paesi Bassi, tra tumulti e contese, passando di città in città, quelle città e paesaggi che
fanno da sfondo all’umanità varia che il giovane incrocia lungo il suo cammino: spie e patrioti,
mercanti e predicatori riformisti, raffinati intellettuali e sanguinari uomini d’arme, giovani vergini
suicide e smaliziate prime donne di compagnie teatrali.
Un lungo viaggio iniziatico, come nell’opera alchemica di Eva Tarantello, nel corso del quale il
giovane poeta incontra praticamente tutto quello che riverserà nella sua opera, ben sapendo che “le
propensioni di un carattere si deducono tutte da un certo numero di sentimenti, così come con poche
cifre è possibile scrivere tutti i numeri” (Léon Daudet).

VI BIENNALE D'ARTE CONTEMPORANEA ITALIANA (Lecce)

Complesso Monumentale Guglielmo II°, Monreale (PA)


Video: Herr Wehrli räumt auf 2


Articolul Precedent

Tranșeile și dealurile de cartofi - Plantarea cartofilor de tranșee și dealuri

Articolul Următor

Îngrijirea cozii de șopârlă - Aflați mai multe despre plantele de coadă de șopârlă în creștere